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quarta-feira, 27 de junho de 2012

Cia Solas de Vento apresenta a peça infantil A Volta ao Mundo em 80 Dias em São Bernardo do Campo em julho

                                                         foto: Mariana Chama


Peça foi sucesso de crítica e de público, além de ter premiado o ator Bruno Rudolf na categoria de Melhor Ator de espetáculo Infantil no FEMSA e APCA e a diretora Carla Candiotto como melhor diretora no Prêmio APCA.

Coreografia circense aliada ao tema viagem é a característica principal do trabalho da Cia. Solas de Vento, que conta com os atores Bruno Rudolf e Ricardo Rodrigues. A dupla fará três apresentações com a premiada peça infantil A Volta Ao Mundo em 80 Dias (Femsa e APCA 2011, direção de Carla Candiotto) nos dias 1, 4 e 5 de julho às 16hs noTeatro Lauro Gomes em São Bernardo do Campo.

“É a oportunidade de mostrar o trabalho da Cia para novas pessoas e ao mesmo tempo contemplar o público da Grande São Paulo que não conseguiu acompanhar as temporadas que aconteceram na Capital. É um privilégio mostrar nossa maneira de fazer teatro, de contar uma história”, conta Ricardo Rodrigues.

A Volta ao Mundo em 80 Dias
Com direção da premiada Carla Candiotto, espetáculo foi sucesso de crítica e de público, além de ter premiado o ator Bruno Rudolf na categoria de Melhor Ator de espetáculo Infantil no FEMSA e APCA e a diretora Carla Candiotto como melhor diretora no Prêmio APCA.

Na trama, a extraordinária aventura de Mr. Fog – um Lord inglês apaixonado por geografia e Passepartout  – seu criativo criado francês começa quando Mr. Fog decide dar a Volta ao Mundo em 80 dias. Mas eles não contavam com a aparição do misterioso Mr. Fix, que durante toda a trama surge de forma inusitada para atrapalhar a viagem dos dois aventureiros.

É dada a partida para uma grande viagem repleta de peripécias, na qual a dupla corre contra o tempo e contra as armadilhas provocadas por Mr. Fix. A historia é contada pelos dois atores que, para dar vida a todos os personagens, utilizam técnicas acrobáticas, dança e comedia.

O enredo é baseado na obra literária de Júlio Verne. A concepção da montagem foi idealizada por Carla Candiotto e Solas de Vento a partir de um jogo de Tangram, que é um quebra-cabeça chinês. Os dois atores manipulam peças de sucata de ferro para construir os diversos lugares e transportes usados na viagem. “Utilizamos peças de ferro e sucatas para a construção de cada cenário, criando novas imagens. Imagens essas recriadas a cada episódio da história”, explica a diretora.

“Depois de passar pelo roteiro de ações da história, começamos a criação do nosso Tangram, o fio narrativo que trouxe unidade ao espetáculo, sem comprometer a inventividade fantasiosa que o autor propõe”, conta a diretora Carla Candiotto. Como e onde essas peças de sucata poderiam se transformar num trem, num barco ou até mesmo num elefante, seriam as próximas descobertas.

A encenação usa recurso de três câmeras de vídeo e projeção ao vivo, o que cria cenas inusitadas e traz uma dimensão fantástica aos episódios da historia. As imagens são transferidas do chão diretamente para a parede de fundo do teatro, dando a sensação de os atores estarem em um trem ou barco. Para contar essa história, os atores, que são circenses e dançarinos, partem de um lugar não definido e, ao longo do tempo, como têm necessidade de chegar em 80 dias, inventam e transformam seus transportes de um país ao outro para poderem realizar essa aventura.

De acordo com a diretora, “esse quebra-cabeça, é um instrumento facilitador da compreensão da história e desenvolve a criatividade e o raciocínio de criança. Espero que o resultado se transforme num exercício de criatividade e cumplicidade entre o público e os atores, e que pais e filhos descubram que dar a volta ao mundo em 80 dias seja uma idéia possível.”

A Volta ao Mundo em 80 Dias é apresentado pela Usiminas e tem co-patrocínio da Akzo Nobel. Esse é um projeto aprovado pelo Governo do Estado de São Paulo, Secretaria de Estado da Cultura e Programa de Ação Cultural 2011.

Para Roteiro:

SÃO BERNARDO – Dias 1, 4 e 5 de julho às 16hs.
Teatro Lauro Gomes - Rua Helena Jacquey, 171 - São Bernardo do Campo - SP
Telefone: (11) 4368-3483. Grátis. Retirar na bilheteria meia hora antes.

Ficha Técnica:
Adaptação livre do romance homônimo de Julio Verne. Criação: Carla Candiotto e Solas de Vento. Direção: Carla Candiotto. Texto:Carla Candiotto e Pedro Guilherme. Elenco: Bruno Rudolf e Ricardo Rodrigues. Coreografia: Bruno Rudolf e Ricardo Rodrigues. Direção de Arte e Cenografia: Lu Bueno. Ilustrações: Iara Jamra. Figurinos: Olintho Malaquias. Trilha sonora original: Exentrimusic. Iluminação: Wagner Freire. Operação de Vídeo: Bruno Bachy. Operação de Audio: Luana Alves. Operação de luz: Roseli Martineli, Tamiris Alves e Amanda Felisbino Fotografia: Mariana ChamaProdução: Aymberê Produções Artística LTDA. Gestão Cultural: Doble Cultura + Social. Programação Visual: Sato – casadalapa. Duração: 50 minutos. Realização: Solas de Vento. Recomendado para crianças a partir de 04 anos.


Sobre Cia Solas de Vento
Ao conhecerem suas criações individuais, Bruno Rudolf e Ricardo Rodrigues identificaram uma prática semelhante e um olhar sobre o fazer teatral. Nas criações do duo, as habilidades acrobáticas e a dança, aliadas ao preparo do ator, oferecem novos recursos ao ator de contar uma história. Dessa simbiose de possibilidades corporais nasce uma única linguagem plural, em que o corpo é motor da dramaturgia. Os artistas trabalharam em parceria com as companhias Circo Mínimo, Cia. Druw, Linhas Aéreas, Circo Zanni, Trixmix Cabaret, Núcleo de Artérias e com os diretores Francisco Medeiros, Cristiane Paoli Quito e Carla Candiotto.

Ricardo Rodrigues
Ator Graduado pela USJT/1996, em São Paulo. Artista circense desde 1999, nas especialidades de técnicas aéreas e palhaço, vem atuando em espetáculos que aliam o teatro e a dança às técnicas circenses.

Bruno Rudolf
Bailarino, formado pelo Conservatório de Dança de Mulhouse (França), reside no Brasil desde 2001. Ainda na França, estudou teatro físico, mímica clássica e técnicas circenses (acrobacia e malabarismo). Em solo brasileiro, se especializou em técnicas aéreas e estudou palhaço. Vencedor do Prêmio APCA 2011 por A Volta ao Mundo em 80 Dias.


ARTEPLURAL – Assessoria de imprensa 
Fernanda Teixeira - 11. 3885-3671/ 9948-5355
Adriana Balsanelli – (11) 9245-4138
Douglas Picchetti – (11) 9814-6911
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Um Número com Pedro Rangel e Pedro Osório


Pedro Paulo Rangel e Pedro Osório

em

Um Número

De Caryl Churchill

 Direção de Pedro Neschling

Estreia dia 29 de Junho no Sesc Belenzinho

Até que ponto o que somos é consequência das circunstâncias e do nosso meio? Até que ponto somos o que nossa carga genética determina?



Com tradução e direção de Pedro Neschling , jovem artista que se destaca por sua preocupação em executar e participar de projetos de alto nível artístico, o Sesc Belenzinho recebe a partir de 29 de junho este espetáculo que conta uma instigante e bem trabalhada trama que discute a natureza humana.

Em cena, de volta a São Paulo, Pedro Paulo Rangel, um dos mais respeitados e importantes nomes do nosso teatro, ganhador de prestigiosos prêmios, acompanhado por Pedro Osório, que comemora sua primeira e bem-sucedida década de carreira profissional.

No texto, um homem descobre que existem vários clones dele e que ele próprio, na verdade, é um clone de um filho original de seu pai, que ele nunca imaginou existir. A partir disso, a consagrada Caryl Churchill, considerada na Inglaterra um dos mais importantes nomes da dramaturgia britânica do século, explora a questão da identidade de todos. Na discussão cheia de reviravoltas entre pai e filho, eles descobrem que nada é totalmente controlável. 

A ação começa com Salter (Pedro Paulo Rangel) conversando com seu filho Bernard (Pedro Osório) que acaba de chegar de um hospital onde descobriu que existe um número de outros absolutamente idênticos a ele. Clones. E ele não sabe como isso é possível. E pela forma com que os médicos o confrontaram, ele acredita que seja possível ele não ser o original. Mas como isso seria viável se ele sempre soube ser filho natural de sua mãe com seu pai? Ou não teria sido assim? Ele confronta seu pai e acaba descobrindo que de fato ele foi gerado através de uma clonagem de um filho natural que supostamente morreu num acidente. Que os tais “outros” foram roubados pela equipe médica. E que eles precisam processá-los por tamanho crime. Todo o rancor desta relação vem à tona enquanto esses homens tentam explicar e entender o que aconteceu. E como vão lidar com isso dali em diante. Na sequência, uma série de fatos e descobertas levam o público acompanhar atentamente a história dessas personagens.

“Num momento em que a Ciência se orgulha de estar cada vez mais evoluída na criação de vida artificial em laboratório, o espetáculo Um Número não poderia estar mais atual. É uma honra conduzir Pedro Paulo Rangel ao palco nessa montagem e aprender a cada segundo ao seu lado.” – Pedro Neschling

“Assim que li ‘Um Número’ e me vi envolvido por esse universo torto e por essas personalidades controversas, achei-me em casa. Seria um desperdício não dar ao público a oportunidade de participar dessa experiência, supus” – Pedro Paulo Rangel.

Um Número
Sesc Belenzinho (392 lugares)
Rua Padre Adelino, 1.000. - Tel. 2076.9700
Informações da bilheteria: ingressoSESC. Ingressos a venda a partir das 14h do dia 22/06.
Consulte a lista de pontos de venda e escolha a que estiver mais perto de você www.sescsp.org.br
Formas de pagamento: Dinheiro e cheque (à vista); cartões: Visa, Visa Electron, Mastercard, Mastercard Electronic, Maestro, Redeshop e Diners Club International (crédito e débito). Estacionamento R$ 7

Sextas e Sábados às 21h; Domingos às 18h

Ingressos: R$ 24

R$ 12 (usuário matriculado no SESC e dependentes, +60 anos, estudantes e professores da rede pública de ensino).
R$ 6 (trabalhador no comércio e serviço matriculado no SESC e dependentes).

Duração: 60 minutos
Recomendação: 12 anos

Estreia dia 29 de junho

Curta Temporada: até dia 22 de julho


Ficha Técnica:

Elenco: Pedro Paulo Rangel e Pedro Osório
Direção: Pedro Neschling
Texto: Caryl Churcill
Tradução: Pedro Neschling e Vitória Frate
Cenário: Gilberto Gawrosnki
Iluminação: Adriana Ortiz
Figurino: Antônio Medeiros
Trilha Sonora: João Paulo Mendonça [MBR]
Assistentes de Direção: Paulo Mathias Jr. e Karla Dalvi
Assistentes de Elenco: Marcéu Valadares e Carol Lemos
Programação Visual: Roberta de Freitas
Fotografia: Marcelo Faustini
Produção Executiva: Mariana Serrão
Direção de Produção: Miçairi Guimarães e Sandro Rabello
Produtores Associados: Pedro Neschling e Pedro Osorio
Realização: Nesch Produções e Diga Sim Produções


Sobre Pedro Neschling
Tem uma carreira marcada pela diversificação de suas atividades. No teatro, atuou em diversos espetáculos de sucesso de público e crítica (“Os Sem Vergonhas”, “Trindade” e outros).  Começou como diretor dividindo com Guilherme Leme o comando da montagem de “A Forma das Coisas” de Neil LaBute. Estreou solo em “Estragaram todos os meus sonhos, seus cães miseráveis!” de Daniela Pereira de Carvalho, e ainda assinou recentemente as montagens de “Um Número”, protagonizada por Pedro Paulo Rangel, e “Alguém Acaba de Morrer Lá Fora”, de Jô Bilac, com Lucélia Santos no elenco. Seu primeiro texto como autor, “Apenas Uma Noite”, foi encenado com sucesso no Brasil e ganhou uma montagem portuguesa pelo diretor António Pires. Ainda em 2012 vai estrear seu novo texto “Como Nossos Pais”, onde também deve atuar e dirigir. É conhecido nacionalmente por sua atuação em vários programas de sucesso da Rede Globo, como a série “Aline” (onde viveu um dos protagonistas) e novelas como “Da Cor do Pecado” (da inesquecível família Sardinha). No cinema estreou ganhando prêmio como roteirista do longa “Timor Lorosae – O massacre que o mundo não viu”, e participou de alguns filmes como ator.


Sobre Pedro Paulo Rangel
Teve a sua primeira experiência em teatro profissional em 1968, atuando na peça Roda Viva, de Chico Buarque de Hollanda, sob a direção de José Celso Martinez Corrêa. Em 1982, recebeu seu primeiro Prêmio Molére de melhor ator, por seu trabalho na peça A Aurora da Minha Vida, de Naum Alves de Sousa. Anos depois, ganharia mais dois: em 1989, pela atuação em  Machado em Cena – Um Sarau Carioca, de Luís de Lima; e em 1994, por sua interpretação como o Padre Antônio Vieira, no monólogo O Sermão da Quarta-feira de Cinzas, de Moacir Chaves. Este personagem também lhe valeu os prêmios Shell e Mambembe. Em 1969, fez sua estreia na televisão, na Rede Tupi de São Paulo no elenco da telenovela Super Plá, de Bráulio Pedroso.
Em 1972, estreou na TV Globo, a convite do ator e diretor Moacyr Deriquém, na telenovela Bicho do Mato, de Francisco de Assis e Renato Corrêa e Castro.
Desde então, fez inúmeros trabalhos na TV entre Minisséries, Novelas, Programas, Seriados e Especiais. Está atualmente no ar na novela “Amor, Eterno Amor”.


Sobre Pedro Osório
Alguns trabalhos realizados:
Estragaram os meus sonhos seus cães miseráveis, direção Pedro Neschling
Laranja Azul, de Joe Penhall, direção Guilherme Leme
A Forma das Coisas, de Neil Labute,  direção Guilherme leme e Pedro Neschling
Maria Stuart, de Schiller, direção de Antônio Gilberto
Werther, de Goethe, direção de Antônio Gilberto
Circo de rins e fígado, texto e direção de Gerald Thomas
Pequenas Raposas, de Lilian Hellmann, direção de Naum Alves de Souza
Indecência Clamorosa, de Moises Kaufman, direção de Jaqueline Laurence
Dia do Redentor, de Bosco Brasil, direção de Ariela Goldman
Laranja Mecânica, de Anthony Bourges, direção de Paulo Afonsos de Lima
Trainspotting, de Harry Gibson, direção de Luiz Furlanetto
Fausto Gastrônomo, de Richard Scheschner, direção de Luiz Furlanetto

Inédita no Brasil, Maratona de Nova York estreia com direção de Bel Kutner e os atores Anderson Muller e Raoni Carneiro no elenco


Texto do italiano Edoardo Erba, traduzido por Beth Rabetti, espetáculo tem trilha sonora de André Abujamra, iluminação de Paulo César Medeiros e direção de arte e projeções de Mauro Vicente e Charles Boggis. A direção de movimento é assinada pela bailarina e coreógrafa Denise Stutz


Dois personagens, por volta dos trinta anos em trajes esportivos, dedicam-se a uma única ação central durante a apresentação: correr para se preparar para participar da Maratona de Nova York - a corrida mais famosa e almejada do mundo. É assim que se desenrola o espetáculo teatral Maratona de Nova York, que estreia dia 6 de julho, sexta-feira, às 21 horas, no Teatro Cacilda Becker. Sob direção de Bel Kutner, os atores Anderson Muller Raoni Carneiro estão no elenco da primeira montagem brasileira da peça. 

Sempre orientados pela ânsia de superação, os personagens (Mario e Steve) relembram determinantes momentos de suas vidas enquanto correm para participar da Maratona de Nova York. A corrida é pontilhada por recordações, que abrem espaços para reflexões como: Correr para quê? Superar quem? Entre outras lembranças, episódios da infância que sugerem desafeto materno e o intermédio de mulheres que fizeram os amigos se conhecerem.

Anderson Muller sempre teve um sonho: correr em cena. Quando se apaixonou pela corrida, começou a buscar uma maneira de aliar o esporte ao teatro. “Alguns anos depois, encontrei Raoni Carneiro – que hoje faz comigo esse espetáculo – e ele me apresentou ao texto de Edoardo Erba. Fiquei enlouquecido e passei 3 anos pensando nessa peça, até que comecei a produzir”, conta o ator. 

Mario, seu personagem na peça, tem personalidade leve, é brincalhão, apesar de seu peso dramático. “Esse personagem é um presente para mim, pois me leva a conhecer melhor as levezas e os amadurecimentos que passamos com o decorrer de nossas vidas”, conta Anderson.

Já Steve (interpretado por Raoni Carneiro) é um cara determinado a correr, com características apolíneas, retas, enfático, severo consigo mesmo e muito exigente, durante o espetáculo. “Steve expressa algumas máximas de conduta de vida, principalmente em relação à superação. Ele se esforça ao máximo para poder chegar mais do que preparado na maratona de Nova York”, conta Raoni Carneiro.

Mauro Vicente e Charles Boggis assinam a direção de arte e projeções. "Identificamos os momentos dos personagens com uma cenografia utilizando imagens gravadas em vídeo em 360 graus. As superações, angústias e recordações foram tratadas com luz em movimento, trazendo ao expectador uma orientação inusitada para o sentido de suas vidas”, conta Mauro. Para compor todas as características propostas para o espetáculo, os artistas utilizaram um sistema de câmera com seis lentes e software de efeitos gráficos avançados.

A maratona
O texto de Edoardo Erba, traduzido por Beth Rabetti, levanta questões do ser humano imprevisível, limitado, genial, obstinado, traumatizado, mas sempre possível vencedor na arte de viver. “Edoardo Erba tem um texto rápido, que faz a gente pensar. É muito bom o seu jeito de conduzir o cotidiano, o inevitável e as fatalidades”, conta Anderson Muller.

A diretora Bel Kutner – que atualmente alia os ensaios de Maratona de Nova York às gravações da novela Gabriela, da TV Globo -, se apaixonou pelo texto na primeira leitura, quando foi convidada a dirigir a peça. Pela simplicidade e agilidade dessa conversa, pela dinâmica das ideias desses dois personagens em um encontro. A tradução da Beth Rabeti é primorosa, deixando a historia de dois italianos universal. Pode ser em qualquer lugar, em qualquer tempo”, conta Bel, que é amiga do Anderson Muller há trinta anos e também está na produção ao lado dele.

Bel Kutner diz, ainda, que vê a peça como uma revisão de uma existência. “É simples, mas cheia de nuances para quem a viveu. Os personagens se irmanam nos seus objetivos, contrapondo-se alternadamente, em suas historias pessoais. É um belo jogo, vamos nos divertir descobrindo a dinâmica de cada cena.”

“Pretendo que, apesar dos esforços físicos dos personagens, os atores consigam passar todo prazer, toda endorfina dos atletas, sem tensão, sem dor. Com muito suor”, finaliza a diretora.

Sobre o autor
Edoardo Erba nasceu em Pavia em 1954 e graduado em letras, formou-se em dramaturgia pela Escola Piccolo Teatro de Milão.Vive em Roma. Dentre suas obras - A noite de Picasso(1990), Porco selvagem(1991), Curva cega(1992), O homem da minha vida(1999), Boas notícias (2002), em meio a outras- destaca-se Maratona de Nova York (1992) pela diversidade de montagem: Londres (1999),com direção Mick Gordon, Boston (2003), Buenos Aires (2003),Wellington-Nova Zelândia (2001),Tel Aviv (1998), Barcelona(1996/97). A peça, contemplada com vários prêmio, já foi traduzida para cinco idiomas, tendo sido publicada na Inglaterra pela Obern Book e na Argentina pelas Ediciones de La Flor. Na Itália foi publicada pela Ricordi e por Ubulibri. Edoardo Erba é também autor de programas televisivos.

Ficha técnica:
Autor: EDOARDO ERBA. Tradução: BETH RABETTI. Com: ANDERSON MULLER E RAONI CARNEIRO. Direção: BEL KUTNER. Iluminação: PAULO CESAR MEDEIROS. Direção de Arte: MAURO VICENTE FEREIRA. Assistente de Arte: ROGERIO CHIEZA. Vídeo 360 graus: CHARLES BOGGISS. Vídeo Grafismo: EDUARDO SALLES E CRISTIANA QUEIROGA. Figurino: ASICS. Preparação Corporal: DENISE STUTZ. Trilha Sonora: ANDRE ABUJAMRA. Fotografia: DESIRÉE DO VALLE. Programação Visual: LEONARDO BRASIL. Assessoria de Imprensa: ARTE PLURAL. Assistente de Direção: CELSO BERNINI. Operação de Som: ALLYSSON LEMES. Operação de Luz: ALEXANDRE BAFÉ. Direção de Vídeo: MICHEL PAULO. Operação de Vídeos: ALEXANDRE GONZALEZ. Direção de Produção: DEA MARTINS E ANDERSON MULLER. Produção Executiva em SP: DEA MARTINS E GERARDO FRANCO. Assistente de Produção RJ; MARCELO GOMES. Assistente de Produção SP: FLÁVIA PRIMO. Direção de Palco: MARCELO GOMES. Realização: Logomarca Kauidea (Dea Martins) e PRÓSPERAS PRODUÇÕES (Anderson Muller e Thereza Falcão). Patrocínio: ASICS.

Para roteiro:
Estreia dia 6 de julho, sexta-feira, às 21 horas, no Teatro Cacilda Becker. Temporada: de 6 de julho a 29 de julho. Sextas e sábados, às 21h e domingos às 19h. Duração: 115 minutos. Preço: R$ 20. Censura: 12 anos.



Centro Cultural Banco do Brasil apresenta Rodriguianas: Tragédias para Rir, contos da coluna A Vida Como Ela É..., de Nelson Rodrigues, agora no palco


Tragicomédia com direção de Luís Artur Nunes e que celebra o centenário de nascimento de Nelson Rodrigues (23 de agosto de 1912) com a adaptação para o teatro de oito contos extraídos do jornal Última Hora.  No palco, oito atores em cena o tempo todo: Marcos Breda, Fernanda D’Umbra, Duda Mamberti, Bete Correia, Cintya Chaves, Maria Tuca Fanchin, Luís Soares e Sidney Santiago. Cenário de Márcio Vinícius, figurinos de Fábio Namatame e iluminação de Guilherme Bonfanti

O doce amargo das ruas, as tragédias, as paixões, as situações divertidas e inusitadas do cotidiano e os dilemas entre o céu e o inferno do ser humano. O olhar peculiar de Nelson Rodrigues capturou de forma apurada as excentricidades da vida e colocou de forma verossímil em suas obras de ficção. No começo dos anos 50, quando viveu seu melhor período da carreira de jornalista, as crônicas diárias (com uma linguagem simples e bebida nas fontes mais populares) publicadas em sua coluna A Vida Como Ela É, do jornal carioca Última Hora, refletiam essa atmosfera. Esse é o mote principal da tragicomédia Rodriguianas: Tragédias para Rir, que estreia no Centro Cultural Banco do Brasil dia 6 de julho, sexta-feira, às 20 horas.

Com adaptação e direção de Luís Artur Nunes, o espetáculo reúne oito contos extraídos da famosa coluna jornalística desse dramaturgo que completaria 100 anos em 2012. O Pediatra, Romântica, As Gêmeas, A Esbofeteada, Despeito, Noiva da Morte, Flor de Laranjeira e Selvageria ganham vida por meio de oito atores em cena. Marcos Breda,Fernanda D’UmbraDuda MambertiBete CorreiaCintya ChavesMaria Tuca FanchinLuís Soares e Sidney Santiago formam o elenco. A montagem também conta com cenário de Marcio Vinícius, figurinos de Fábio Namatame e iluminação de Guilherme Bonfanti.

O diretor procura aliar literatura e teatro em seus trabalhos e a obra rodriguiana sempre esteve atrelada em seus estudos e montagens teatrais, como nessa nova produção. “Nelson Rodrigues tem uma prosa rica, as histórias são saborosas, inteligentes, têm uma teatralidade para aproveitar. As tramas envolvem suicídios, amores contrariados, fazem um retrato fotográfico da zona norte do subúrbio carioca da época, além de acrescentar elementos melodramáticos.”

O discurso narrativo é preservado na encenação e de acordo com Luís Artur, o relato do autor tem um humor amargo e singular que enriquece o espetáculo e não pode ser deixado de lado. Os atores se colocam como um grupo de contadores e intérpretes, alternando-se nas tarefas de encenar, descrever, narrar e comentar. “A peça tem um caráter de folhetim, em que os personagens estão em situações exorbitantes, à beira de um ataque de nervos.”

Por dentro do teatro

A peça revela para o público os truques do teatro utilizando doses de encenação explícita e não realista por meio de máscaras, quadros-vivos e manipulação de bonecos. Os atores fazem dublagens, homens e mulheres se dividem no mesmo personagem em uma espécie de interpretação coral. “É um verdadeiro jogo de linguagens, meios e expressões diferentes reunidas em um único espetáculo. Uma boa oportunidade de ver as múltiplas faces do teatro”, diz Luís Artur Nunes.

Márcio Vinicius assina o cenário que acompanha a peça como um todo. “A cenografia basicamente é neutra, a matéria prima é o papelão que é generoso com a luz, um recurso que valorizou ainda mais a interpretação dos atores. No ano do centenário de Nelson Rodrigues, me inspirei nas formas de seus pseudônimos femininos, os quais ele usava para assinar alguns de seus textos.”

Já o figurino colorido é trabalho com assinatura de Fabio Namatame. “Os adereços correspondem à época em que Nelson viveu, remetem ao gosto e estilo dos cariocas da zona norte do Rio de Janeiro. Representam os personagens do núcleo familiar que são característicos da obra do autor,” explica. “Como os atores encarnam vários personagens, as roupas são versáteis e auxiliam na troca de interpretação”.

Luzes, canções, trocas rápidas de figurino e objetos marcam a passagem de um conto para outro imprimindo um ar de dinamismo à peça. O diretor também é responsável pela trilha sonora do espetáculo, que conta com um repertório composto por uma mescla de estilos, que vai do bolero à música popular brasileira. “Tem desde peças eruditas de Chopin e Tchaikowsky até o samba-canção de Ângela Maria”.

Legado Nelson Rodrigues

Segundo o diretor da peça, “Nelson Rodrigues não fez apenas uma contribuição para a dramaturgia brasileira, ele introduziu um olhar agudo sobre o mundo, uma visão pessimista. Suas histórias misturavam valores idealizados, tragédias e perversidades vividas pelo ser humano”.

No centenário de Nelson Rodrigues, um dos objetivos de Rodriguianas: Tragédias para Rir é oferecer ao público uma experiência teatral rica de conteúdo e cheia de colorido, movimento e humor. “Além de homenagear, a montagem foge da encenação de seus textos teatrais para buscar na sua ficção narrativa um material que em nada fica a dever à obra dramatúrgica”, completa Luís Artur.

Ficha Técnica
Autor: Nelson Rodrigues. Adaptação e Direção Artística: Luís Artur Nunes. Assistente de direção: Cainan Baladez. Elenco: Marcos Breda, Fernanda D’Umbra, Duda Mamberti, Bete Correia, Cintya Chaves, Maria Tuca Fanchin, Luís Soares, Sidney Santiago. Cenário: Márcio Vinícius.Iluminação: Guilherme Bonfanti. Figurinos: Fábio Namatame. Sonoplastia: Luís Artur Nunes. Programação Visual: Vitor Vieira. Fotografia:Paulo Sadao, Preparação Vocal: Monica Montenegro, Idealização do Projeto: Cintya Chaves. Coordenação do Projeto: Bete CorreiaDireção de Produção e Administração: Maurício Inafre. Assistente de Produção: Jô Nascimento. Produção Executiva: Regilson Feliciano.

Para Roteiro:
RODRIGUIANAS: TRAGÉDIAS PARA RIR – Estreia 6 de julho no CCBBTemporada – sextas, às 20h, sábados, às 17h e às 20h, e domingos, às 20h. Duração – 80 minutos.  Até 2 de Setembro. Ingresso R$ 6,00 e R$ 3,00 – Classificação – 14 anos.

CCBB - R. Álvares Penteado, 112 - Centro São Paulo SP. tel. (11) 3113 3651/52. Capacidade: 125 lugares. Vendas pela internet:www.ingressorapido.com.br ou pelo telefone (11) 4003-1212. Estacionamento: conveniado na Rua da Consolação, 228 – Ed. Zarvos – R$ 15 por 5 horas. (No estacionamento há transporte periódico de van até o CCBB). www.bb.com.br/cultura www.twitter.com/ccbb_spwww.facebook.com/ccbbsp

Informações para a imprensa
ARTEPLURAL – Assessoria de imprensa Fernanda Teixeira - 11. 3885-3671/ 9948-5355
Adriana Balsanelli – (11) 9245-4138                                                                                               
Renato Fernandes – (11) 7286-6703                                                                            
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Assessoria de imprensa CCBB São Paulo:
Alexandre Yokoi
imprensaccbbsp@gmail.com
Tel: (11) 3491 4655

SANDUBA DELIVERY em São Paulo


Senhoras e senhores, adultos e crianças, adoradores da arte circense ou famintos de plantão:
A Cia Suno apresentará em São Paulo, no dia 30 de junho, o espetáculo solo
Sanduba Delivery
No WTC Teatro, às 15h

Em junho tem palhaçada? Tem sim senhor!!! Ao menos no WTC Teatro, em São Paulo, local escolhido pela Cia Suno para apresentar o espetáculo solo Sanduba Delivery.

Na peça, o palhaço Sanduba, interpretado por Duba Becker, chega com sua bicicleta acrobática para fazer os pedidos e as entregas de sua lanchonete. No cardápio, cada opção corresponde a um número circense a ser improvisado pelo artista. O público é convidado para fazer o pedido e assim formar a cada dia um cardápio e um espetáculo diferente.

Para a entrada, há equilibrismo e acrobacia com diferentes objetos. No prato principal, pode-se escolher entre malabarismo com bolas ou aros. De sobremesa, coreografias ou dança. Por último, é oferecida uma performance surpreendente como cortesia, chamada de “Cafezinho”.

Dirigido por Helena Figueira e roteirizado por Victor Nóvoa, o espetáculo já viajou diversas cidades, entre elas São Paulo, São José do Rio Preto e Piracicaba.

O artista: Duba Becker
Malabarista, acrobata e palhaço, Duba Becker já se apresentou em diversos países, entre eles a Alemanha (31a European Juggling Convention) e Argentina (La décima primeira e La décima segunda convention de malabaris, circo y espectáculos callejeros). Representou o Brasil na Fit Argentina, 2007, BTL Lisboa 2006, Fitur Madrid, 2006, a convite da EMBRATUR.

Freqüentou o curso de Palhaçaria Clássica com Leris Colombaioni (Itália), Chacovacci (Argentina), Avner (EUA), Javi Javichy (Espanha), Márcio Libar (RJ) e Bete Dorgam(SP). Aulas de malabarismo experimental com Luis Sartori do Vale (Brasil/ Bélgica) e Pablo Pico (Chile).

Com o grupo Irmão Becker recebeu o prêmio de melhor número circense no PRIMEIRO FESTIVAL MUNICIPAL DE CIRCO DE SÃO PAULO. Também recebeu o prêmio Carequinha de estímulo ao circo/ FUNARTE em 2009 e ProAC 2010 com o espetáculo “De volta ao mundo”. Foi o melhor do circo paulista 2005 recebendo o Prêmio Charles da categoria.

É integrante da Cia Suno desde 2003, e participa dos seguintes espetáculos: "O Cientista e a Lua", "Dia de Festa", "Sanduba delivery"; " A Bailarina e o Palhaço"; "Estripulias no circo", “O circo de um homem SÓ”, “Contos em cantos” e "Despautérios."


Serviço:
Onde: WTC Teatro
Quando: 30 de junho
Quanto: R$ 10,00 (preço único)
Endereço: Av. Nações Unidas, 12.551, Piso C – Brooklin
Contato: 11 3043-7000
Duração: 50 minutos
Classificação etária: livre
Gênero: Circo

Informações à imprensa: André Moretti

Juliana Galdino está em OS PERSAS, segunda peça do projeto PEEP CLASSIC ÉSQUILO, do Club Noir


Todas as seis tragédias de Ésquilo (considerado o primeiro autor da
 história do Teatro) serão apresentadas até dezembro com direção de
Roberto Alvim. Os Persas estreia dia 6 de julho

Segunda peça do projeto PEEP CLASSIC ÉSQUILO, a tragédia OS PERSAS entra em temporada de 6 a 29 de julho com apresentações de sexta a domingo, no Club Noir.  O projeto prossegue com as estreias mensais dos outros textos –, SETE CONTRA TEBAS (3 a 26 de agosto), PROMETEU (6 a 30 de setembro), ORESTEIA I (5 a 28 de outubro) e ORESTEIA II (2 de novembro a 16 de dezembro).

Os Persas traz no elenco Juliana Galdino, Fernando Gimenes, Renato Forner , José Geraldo Jr., Bruno Ribeiro e Luan Maitan. Na trama, o gigantesco império persa, liderado por Xerxes, é aniquilado pelos gregos.

É a primeira vez (no Brasil e também no âmbito internacional) que uma companhia encena todas as obras do primeiro autor da história do teatro. Com direção e adaptação de Roberto Alvim o projeto PEEP CLASSIC ÉSQUILO, formado pelas seis peças do primeiro dramaturgo que se tem notícia,reconhecido como o pai da tragédia, o mais antigo dos três autores gregos (os outros são Sófocles e Eurípedes), começou com temporada de AS SUPLICANTES.  O projeto tem patrocínio do Programa Municipal de Fomento ao Teatro para a Cidade de São Paulo. Ver sinopses na programação completa.

Por Roberto Alvim:
A dramaturgia de Ésquilo, como reinvenção do homem e do teatro: uma nova abordagem das primeiras peças (de que temos registro) escritas na história do teatro. Ésquilo as criou e encenou na Grécia do século V a.C., e agora elas chegarão ao palco do CLUB NOIR de um modo surpreendente, que potencializa radicalmente a pesquisa da companhia: todas as obras serão encenadas dentro de um cubo formado por linhas metálicas, sem trilha sonora alguma, explorando as inúmeras modulações e texturas das vozes dos atores, e tendo como iluminação apenas uma única lâmpada fluorescente, que delineia tenuemente a imobilidade das figuras em cena.

Tudo isto visa fazer eclodir, destes antigos textos, toda a potência de gráficos de forças que se constituem como alteridades em relação ao que chamamos, hoje, de vida humana. As peças instauram-se como estranhas paisagens em imobilidade-móvel (os atores estão estáticos no espaço, mas estão muito velozes no tempo, através dos trânsitos entre distintos planos vocais), em uma topografia de diferentes intensidades, instáveis, habitadas por outros moldes arquetípicos, desenhados em outras arquiteturas linguísticas, configurando uma experienciação insuspeitada de alteridades radicais. A linguagem como força criadora de mundos: as palavras são como sementes, capazes de gerar sensações e imagens inclassificáveis no imaginário de cada espectador. 
   
O projeto PEEP CLASSIC ÉSQUILO pretende proporcionar ao público uma experiência estética imprevisível e autônoma, através do diálogo com obras de arte que se localizam fora de qualquer tempo específico ou contexto cultural: as peças se relacionam com forças inconscientes, indizíveis, forças capazes de desencadear processos sensíveis polissêmicos e perturbadores em cada espectador – novas possibilidades de vivenciarmos o tempo, o espaço, a linguagem, a condição humana.  


Encaramos o autor destas peças (para além de sua localização histórica) como o criador de uma poética fundante, de um teatro que não se configura como um espelho do mundo, mas que se instaura como uma insuspeitada tecelagem: criador de uma rede de fios engendrados por outros modos de subjetivação, por sensações e imagens e construções que são da ordem do inominável – posto que se localizam fora da cartografia reconhecível de nossa cultural global contemporânea. Não nos reconheceremos – nem a nós, nem ao nosso mundo – nestas obras; o que veremos aqui são outras possibilidades: outros mundos, habitados por outras formas de vida.

A alteridade estética das obras de Ésquilo instaura outra possibilidade do humano, promovendo transubstanciações dos sentidos unívocos (vocação primeira da palavra polissêmica grega) e revolução nos signos, através da abertura e expansão de um espaço/tempo poético, habitado por outros usos da linguagem.

Nestas tragédias, o que importa não é o contexto cultural/ficção/fábula que dita a ideia de um espaço/tempo-fixo-datado, mas sim a proposição intensa de uma estranha topografia de sensações e experiências que se nos afiguram como a presentificação brutal de outros modos de subjetivação – nos levando a redefinirmos a maneira estagnada e banalmente limitadora como a cultura de massa desenha hoje o ser humano.

Não se trata, nestas obras, de entendimento (compreensão unívoca da narrativa, objetificação do sujeito e esclarecimento acerca de suas motivações), mas sim de produção e experienciação de intensidades desestabilizadoras, através da força de palavras que criam tempos e espaços. Produção de intensidades: produção de diferentes espécies de intensidade; em termos de estratégia de construção cênica, a produção de intensidades é o avesso do sistema linear acumulativo: trata-se, aqui, do traço e do apagamento imprevisíveis de pontos de fuga; isto afeta profundamente nossa percepção do tempo (por mythos, entendemos não a narrativa, mas sim o gráfico específico de forças (intensidades) desencadeadas na experienciação destas obras).

Encontrar, em uma EXTREMA REDUÇÃO, a abertura de um novo campo de possibilidades: o nosso campo de atuação nestas obras. E, graças a este poder de concentração, promover um estranho movimento de expansão – EXPANDIR POETICAMENTE (isto é, nos registros da POLISSEMIA e da DIFERENÇA).

É incrível como estas peças promovem uma experienciação seca, árida, mas poderosa de uma estranha maneira, até então desconhecida, em trânsitos permanentes entre diferentes intensidades, e que nos deixa sem nada nas mãos ao final (não há síntese apaziguadora ou moralizante ou catártica de nenhuma espécie; só o que nos é proporcionado é uma experiência no limite da redução, arcaica e da ordem da alteridade ao mesmo tempo, uma vivência estética primária, que sempre foi atenuada por idealizações ou por iconoclastias ao longo da história, mas que agora é servida aos ossos.

E a coisa toda não tem nada a ver com catarses ou sistemas coercitivos. Trata-se de uma experienciação muito próxima da literatura, em seu apelo pela expansão do imaginário do receptor, mas que se coloca de modo mais poderoso que a experiência literária por sua estranha modelação biofísica do tempo/espaço.

Nosso trabalho com as tragédias é o paroxismo desta nossa pesquisa, que vai na contracorrente de todas as facilidades (da ordem da significação por semelhança) e profusões de ícones em que se transformou a visualidade contemporânea. As obras são, em si mesmas, uma educação pela cena, mudando completamente o olhar daqueles que com elas entrarem em contato.

O ponto é que a dita função catártica das tragédias é APENAS A VISÃO de ARISTÓTELES sobre as tragédias (isto é, é A INTERPRETAÇÃO de um crítico acerca do sentido do fenômeno trágico). O que percebemos é que as tragédias NUNCA tiveram como função provocar catarse alguma... As tragédias de Ésquilo são a instauração poética de vertiginosos gráficos de forças de diferentes intensidades, em estranhas paisagens espaço-temporais, que inauguram uma visão heraclítica (pré-socrática) da vida, da ordem da alteridade radical em relação a nossa forma de entendermos e vivenciarmos nossa humanidade. 

Programação Completa – PEEP CLASSIC ÉSQUILO:

AS SUPLICANTES - de 8 de junho a 1º de julho
É a primeira peça de que se tem registro, em toda a história do teatro. A obra proporciona a experiência do dilaceramento de indivíduos pelos turbilhões incontroláveis das pulsões: a sexualidade como enigma indecifrável. Sinopse: Um grupo de mulheres, fugindo desesperadamente de um grupo de homens que querem desposá-las, buscam refúgio em um país estrangeiro.
Elenco - Paula Spinelli, Renato Forner, Ricardo Grasson, José Geraldo Jr. e Jackeline Stefanski.

OS PERSAS - de 6 a 29 de julho
A obra proporciona a experiência do dilaceramento, pela guerra, de toda uma civilização. Sinopse: O gigantesco império persa, liderado por Xerxes, é aniquilado pelos gregos.
Elenco - Juliana Galdino, Fernando Gimenes, Renato Forner , José Geraldo Jr., Bruno Ribeiro e Luan Maitan.

SETE CONTRA TEBAS - de 3 a 26 de agosto
A obra nos proporciona a experiência da escolha deliberada pela morte como forma de nos irmanarmos ao medo do implacável. Sinopse: Um exército, comandado por sete guerreiros monstruosos, tenta invadir e destruir a cidade de Tebas.
Elenco - Fernando Gimenes,  Renato Forner, Frann Ferraretto, Gabriela Ramos e Bruno Ribeiro.

PROMETEU - de 7 a 30 de setembro
A obra é a proposição de uma habitação da vida (que ecoa a visão do filósofo pré-socrático Heráclito) que se configura como alteridade radical em relação a nosso modo hegemônico de estruturação psíquica. SinopsePor dar o fogo aos homens, o deus Prometeu é acorrentado por outros deuses ao cume de uma montanha, onde deverá permanecer preso por toda a eternidade.
Elenco - Juliana Galdino, Gabriela Ramos, Jackeline Stefanski, Paula Spinelli,  José Geraldo Jr, Marcelo Rorato, Ricardo Grasson e Bruno Ribeiro.

ORESTÉIA I - de 5 a 28 de outubro
A trilogia ORESTÉIA (composta por 3 tragédias: AGAMÊMNON; AS COÉFORAS; e AS EUMÊNIDES) é a obra final de Ésquilo. Neste trabalho, o autor grego faz seu voto inevitável – posto que incontornável – em prol do caminhar para além da pulsão de morte: não se trata aqui do retorno ao útero materno, mas sim da chegada a uma instância existencial para além do homem. Sinopse: O rei Agamêmnon retorna de Tróia, após ter vencido a guerra, e é assassinado por sua esposa, Clitemnestra.
Elenco - Juliana Galdino,   Renato Forner , Fernando Gimenes, Ricardo Grasson, Jackeline Stefanski e  José Geraldo Jr.

ORESTÉIA II - de 2 de novembro a 16 de dezembro  
Sinopse: Orestes, filho de Agamêmnon e Clitemnestra, volta à casa para vingar a morte de seu pai, matando a própria mãe. Em seguida, sentindo a loucura se aproximar, foge.
Elenco - Juliana Galdino, Bruno Ribeiro, Frann Ferraretto,  José Geraldo Jr , Gabriela Ramos,  Paula Spinelli e Jackeline Stefanski.

CLUB NOIR – Rua Augusta, 331 – Consolação – tel: 3255-8448 / 3257-8129. Ingresso: R$ 20,00 inteira e R$ 10,00 meia-entrada. Duração: 40 minutos. A bilheteria abre 2 horas antes do início do espetáculo.  Classificação etária- 16 anos. Temporada: sextas e sábados às 21h e domingos às 20 horas.